La luz ilumina la mitad izquierda del conjunto que forman esta figura con el bebé en brazos y su ropaje, que le llega casi a los pies, mientras la otra mitad y la segunda figura quedan en penumbra, hasta el punto de que de la segunda solo se distinguen cabeza, cuello y manos. Además, la luz acentúa la verticalidad del conjunto, desde el tocado de la figura principal hasta el borde inferior de la vestimenta y hace que destaquen en contigüidad y contraste varios focos esféricos sucesivos: el primero es la cabeza alopécica, y, sucesivamente, la barba, el pecho, la cabeza del niño y el cuerpo del niño para terminar en la sombra semicircular que proyecta el cuerpo del bebé sobre las ropas.

El color es igualmente sobrio, sintético. Utiliza gamas de tonos cálidos: rojos, marrones y amarillos, y trabaja armonizando análogos, tanto en la piel de las figuras como en los elementos del atuendo. Incluso los objetos del cuadro se desenvuelven en las mismas gamas. Sobre el eje transversal del centro exacto de la composición, el tono que más contrasta con los restantes es la tela que envuelve al bebé, (RGB 174, 74, 40, HEX #AE4A28 en esta reproducción), que correspondería a un ocre tostado o rojo indio; es, también, el tono más saturado. De este modo, nuestra atención sigue una cruz imaginaria, en la que, en el palo, la luminosidad resalta la figura principal, mientras en el travesaño, el tono resalta la del bebé.

La peculiaridad que sorprende y que el pintor muestra con delicadeza y respeto extremos en todo el tratamiento es que la figura presenta mamas femeninas y distribución de vello androgénico masculina, porque no es usual que veamos ambas en la misma persona, debido, por una parte, a una prevalencia mucho menor de esa conjunción que el patrón habitual y por otra a que, cuando ocurre, tiende a ocultarse. Se tiende a ocultar lo infrecuente y escaso en cuanto a cantidad, y que en este sentido escapa de “la norma”, sencillamente porque resulta poco habitual o desusado.

Análisis iconográfico
Se trata de un retrato que se sitúa en el marco de la pintura europea del siglo 17 y cuya autoría es de uno de sus artistas más importantes: José de Ribera (1591-1652). Pertenece a la Fundación Casa Ducal de Medinaceli. creada por la Excma. Sra. Doña Victoria Eugenia Fernández de Córdoba y Fernández de Henestrosa, XVIII Duquesa de Medinacel. La retratada es la napolitana Magdalena Ventura, de la ciudad de Accumoli, llamada Abruzzi en lengua vernácula, a la edad de 52 años, y la obra Magdalena Ventura con il marito e il figlio (o Donna barbuta) (1631). El pintor crea esta incomparable obra de arte a instancias de Fernando Afán de Ribera y Téllez-Girón.

Las claves de significado explícito que el pintor quiere otorgar a la obra aparecen en la lápida de la derecha: referencias a la persona retratada, a sí mismo y a su benefactor. A través de los únicos objetos que aparecen como motivos, el huso y la concha, se representa el tema de la convergencia en la misma persona de caracteres secundarios de ambos sexos, lo que, en aquel momento, se interpreta como hermafroditismo. El tema mujer barbuda es de larga trayectoria en arte, pero no tenemos ni las herramientas ni el espacio para abordarlo aquí.

Respecto a claves no mencionadas o implícitas que podemos deducir o imaginar, tenemos la baja estatura del pintor, menos de un metro y medio, y redondez y suavidad de sus facciones juveniles o masa ósea poco robusta, hechos ambos que podrían denotar algún tipo de síndrome que llevara asociado algún tipo de rasgo que le hiciera particularmente sensible a esta temática; por supuesto, esto es una mera suposición, pero no más errática que mucho de lo que se ha dicho sobre este cuadro y sus circunstancias de composición.

En todo caso, consideramos esta obra, hecha precisamente en la etapa de madurez creativa del pintor, intensamente subjetiva; una obra en la que el motivo es una excusa para la proyección personal. Una silenciosa y hermosísima sublimación de todo aquello que el contexto, la época y los coetaneos no dejan emerger de forma explícita, pero que sigue latiendo. Algo que nos llega como un río intenso, a traves de esa profunda y significativa mirada más enigmática que la de la Gioconda y, contrariamente a esta última, totalmente carente de placidez. Una mirada que se sostiene en el tiempo en que la miramos cuando visitamos el cuadro en vivo, una mirada en la que se cruzan pasiones muy complejas, pasiones que el pintor pudo retratar y que nosotros apenas podemos ni siquiera nombrar.

Interpretación iconológica
El interés por la representación de seres humanos con características corporales infrecuentes y su asociación con actividades de exhibición, ocio o divertimento determinan la demanda del retrato. Lejos del lugar común que Theophile Gauthier alimentó olvidando el juego de lo sublime y lo grotesco, según el que existiría en Ribera un “gusto por lo feo”, la representación está impregnada de un gran respeto a la figura retratada, tan elevado como el de Velázquez cuando retrató a El bufón el primo (1645).